¿Qué lecturas os seducen más?

jueves, 31 de diciembre de 2009

Literatura del Mañana les desea un próspero y feliz año 2010


Hoy hace casi dos años y medio que empezó la singladura de lo que al final ha representado ser una de las páginas o bitácoras de literatura más seguidas de la red.



LITERATURA DEL MAÑANA comenzó como una idea más bien somera, aunque tenaz, de varias personas que se han implicado siempre en el mundo de la cultura y del arte y, aunque a veces esa idea resulte vaga e intrascendente para muchas de esas personas que ven el arte desde el exterior como una faceta consumista más de nuestra sociedad, es de la gente que siempre ha profesado una vocación especial para materias como la pintura, la música, la literatura (como hace el equipo humano que gestiona esta página), lo que hace posible que esas facetas puedan existir. Por ello y, ya que a día de hoy esta página se ha nutrido del talento incuestionable de escritores, pintores y otros artistas y autores en general que han hecho posible la labor informativa y documental que cada mes esta bitácora realiza, hemos querido ofrecerles mediante este homenaje, el reconocimiento que se merecen, ya que todos ellos, todos, son y formarán siempre parte de LITERATURA DEL MAÑANA. Y por ello les damos las gracias para seguir creyendo en nosotros, y doblemente, ya que todos y por un igual celebramos hoy el cenit de una época. Una década de infortunios, tristezas y alegrías. Diez años que nos dejan y otros tantos que nos saludan para anunciarnos prosperidad, y tal vez infortunios y pesares también, pero que, por bien o por mal, la costumbre es siempre la misma, y ello es lo que nos mueve a pensar y decir igual también. Por eso y muchas cosas más, les deseamos a todos ellos y, de un modo especial a todos los lectores y seguidores de esta página, un próspero y feliz año 2010, diciéndoles a todos/as:


¡GRACIAS!


miércoles, 30 de diciembre de 2009

Antoni Padrós i el seu cinema... (entrevista)


En la secció “ODISE@S” (odiseus), tenim per costum descobrir aquells personatges que per la seva singularitat o per llurs idees, a mig pas entre el compromís amb la societat i la seva manera de pensar, fruït d'aquesta mentalitat lliberal tant necessària per a la creació literària i artístiques en general. És per això que la redacció d'aquest bloc té el gust de presentar-vos a un nou ODISEU, Antoni Padrós Solanes, director de cinema, pintor, crític i personatge inquiet on no n'hi hagi, el qual se l'ha considerat darrerament com el màxim exponent del cinema underground català dels anys setanta.
Aquesta vegada emperò, és la primera que l'equip de LITERATURA DEL MAÑANA i, en especial, el nostre col·laborador Àngel Brichs es desplaçà al domicili del nostre convidat, quelcom que no fem mai però que, a pesar del temps i el treball feixug que ens ha portat la confecció d'aquest document, creiem que ha valgut la pena, de la mateixa manera que ens gratifica molt l'acollida que ens ha dispensat el Sr. Padrós a casa seva i, amb tot, cal dir que li agraïm molt que ens hagi acceptat aquesta entrevista, fet que estem segurs que els hi interessarà a molts lectors d'aquesta pàgina. Aquest fou el nostre relat:

Recorro un passadís estret i llarg. Fileres de llibres i pel·lícules en format DVD s'arrengleren en una estranya prova de simetria impossible, símbol d'un ordre particular que m'envolta. Em rep cordialment una persona de mitjana edat. Un macbook em contempla al travessar l'entradeta. Una porta de fusta massissa es tanca. Llavors, en silenci espectral, dues persones caminen cap a un pati molt lluminós. Una pau interior ho engloba tot, al fons, un estudi rematat amb un finestral d'alumini dóna una visió total del pati i part del menjador, ara més llunyà. M'assec en una cadira força confortable. Davant meu, una taula gran plena de llibres. Al final, a l'esquerra, hi ha una cafetera De Longhi i un paquetet de càpsules Nespresso. Durant uns minuts prenem cafè i comentem la jogada. Parlem de diverses coses. A penes vol mirar-se les preguntes que li ensenyo en un paper que em serveix al mateix temps de plantilla per la entrevista que he de realitzar. Em va costar d'entendre-ho una mica al principi. Llavors vaig descobrir que n'hi ha que neixen improvitzant. L'Antoni Padrós era un d'ells. Encara que es belluga considerablement bé tant per odinador com per la xarxa per haver nascut en una època on els ordinadors que hi havia eren més grans que una televisió de 24 polzades, preferia el cos a cos. I en l'entrevista que estàvem a punt de començar hi era en tota la seva salsa. Têt-a-Têt, això és el que li agradava:


A. B.: Com va començar? Descrigui's a vostè mateix.

A.Padrós: Des de petit ja tenia facilitat amb el dibuix, cosa que em permetia fugir, penso, de la fosca realitat de la postguerra. Més tard vaig començar a treballar en un banc, llavors, la única escapatòria que hi havia era inventar-te la realitat, sublimar la realitat; i la pintura era l’estri perfecte per fer-ho. Vaig crear el meu propi món, vaig seguir pintant i, uns anys desprès de fer la “mili” amb una colla d’amics, varem formar un grupet. El Marc Molins, la Marta Pessarrodona, el Joan Carles Cabezas i l’Anna Alavedra, en fi, érem un grup que, en certa manera conduïa la Paulina Pi de la Serra, que era la nostra mentora i amiga. En definitiva, ens varem convertir en el Grup de Terrassa.
Vaig fer la meva primera exposició en una col·lectiva on hi participarem tots; la Marta amb els seu poemes i els altres amb la pintura o fotografia. Anys més tard, i després d’una exposició a la Sala Gaspar de Barcelona, vaig decidir que amb la pintura no n’hi havia prou, em sentia limitat. Llavors vaig anar a una escola privada de cinema a Barcelona, l’escola Aixelà. Allí m’hi vaig trobar molt bé, els professors, personatges que van marcar un abans i un desprès en la meva trajectòria professional (el Pere Portabella, en Miquel Porter, el Romà Gubern, en Vázquez Montalbán); un món de cultura que lluitava i que feia boicot a la cultura institucional de l’estat. El maig francès s’acabava de produir. El situacionisme i l’anti-cultura estaven en marxa; el llibre de Herbert Read “Al diablo con la cultura” i “Tratado del saber vivir para uso de las jóvenes generaciones” de Raoul Vaneigem foren els llibres imprescindibles a la dècada dels 60 i 70.



El Grup de Terrassa en una exposició als Amics de les Arts, 1965 (Padrós, el primer per la dreta).



A.B.: En llurs obres s'hi troben algunes semblances amb Lichtenstein o Warhol. Vostè mateix, igual que en l'època en la que va viure de forma plena en el món de la cultura, el fil conductor va ser un art jove, pseudocomercial, anomentat POP. S'identifica en aquesta visió?

A.Padrós: Vaig fer alguns viatges a Londres i allà el Pop-Art es respirava al carrer, Carnaby Street, els Beatles, Blow-Up, etc. Potser sí que per a mi significava una mena d’evasió de la realitat, però aquí també era a l'aire, o si més no, per allò de fotre el camp de la puta realitat, el més pop que teniem aquí era la Marisol i Joselito, jo de totes maneres no n’era conscient de que feia Pop-Art. En Joan Perucho, escriptor, poeta i crític d’art de la revista Destino, va ser l’artífex de que jo anés a la Sala Gaspar de Barcelona, una de les galeries d’art mes prestigioses d’aquell moment. L’exposició a la Sala Gaspar es va titular o denominar com a Nova Figuració, o sigui, res de Pop Art. Els anys han passat, i en el 2004 i al Museu d’Art Modern de Girona una gran exposició titulada "El Llegat del Pop-Art a Catalunya" m’hi van fer incloure amb aquestes dues teles que estan penjades aquí. –em fa un gest en el seu estudi per indicar-me una pintura en la que apareix Marilyn Monroe…

A.B.: No es considera Pop vostè?

A.Padrós: Bé, si els altres ho diuen…i em foten aquesta etiqueta, és que sóc pop. Si diuen que sóc anarquista, molt bé, soc anarquista, si diuen que soc nihilista, ho sóc… Mira, la veritat només la se jo, tota la resta són interpretacions… Tampoc vull defugir d’aquestes interpretacions, trobo que l’ambigüitat també pot ser interessant. Sí, les etiquetes emprenyen bastant. És com dir: què ets tu? Soc empleat de banca… i moltes coses més, la revolució de l’individu pot ser infinita.

A.B.: Bé, això són clitxés que fiquem els crítics.

A.Padrós: Si, és clar, són clitxés.

A.B.: Bé; vostè sempre s'ha considerat independent...

A.Padrós: Independent?

A.B.: En la seva forma de plantejar tant la pintura com el cinema, trencant una mica motllos; estem d'acord, no?

A.Padrós: Jo em consideraria un auto-marginat. Sí, auto-marginat! Pel matí treballava en un banc i a les tardes pintava o feia cinema. Em sembla que ja ho vaig dir uns dies ençà en aquella conferència. Als matins Dr. Jeckill i a les tardes Mr. Hyde.

A.B.: Sí, me'n recordo que ho va dir en un sopar-tertúlia organitzat per l'Ateneu Terrassenc. Sr. Padrós, valora la fama vostè?

A.Padrós: Mira. La fama me la bufa i allò trascendental em rellisca. No en tinc pas cap interès en la fama. Jo només crec en la feina ben feta.

A.B.: Com es considera vostè?... director de cinema, artista o creador?

A.Padrós: Deixem-ho en creador. Ni artista, ni director de cinema, ja que ho trobo bastant convencional. Quan diuen: -ets un artista! Ostres! Quan em diuem això, em trenco de riure. Escolta: artista, de què? Faig el que jo crec que haig de fer i prou. I ja està.

A.B.: En els seus quadres hem vist que amb la seva forma de pintar, amb la seva manera de pensar... De fet, en alguns quadres seus podem entendre alguns fenòmens d'avantguarda com potser...abans de començar l'entrevista estàvem comentant el dadaïsme, el pop art, l'expresionisme. No troba que la unió del pop amb una forma de pensar pròpia dels dadaistes és contradictòria?

A.Padrós: Segurament. Però allò que és contradictori a mi m’interessa, pel sol fet de ser-ho.

A.B.: Per què?

A.Padrós: No hi ha cap veritat absoluta. Amb res. La contradicció és com un alliberament de l’absolut. És la subversió més profunda del Ser.

A.B.: Però, aquesta incoherència d'alguns artistes -parlo genèricament- alhora d'expresar-se sobre el mateix art que creen, no pot ser un defecte de forma? O sigui, una incapacitat de fer allò que està bé o el que està malament, i no tot com un igual?

A.Padrós: El que està bé o el que està malament, no crec amb barreres infranquejables. Jo em considero un inmoral. Quan neixes ets lliure, el bé i el mal s’adquireix amb el temps i amb la complicitat de la societat. Jo crec que el veritable estat de l’home és la innocència, més enllà del bé i del mal. I ser aliè a tot aquest montatge de la religió, la pàtria i la familia et fa ser a la vista dels altres, un inmoral.


Un Padrós jove davant d'una obra seva.



A.B.: Els anys en els que es crearen els seus primers curtmetratges coincideix amb el declivi del règim franquista a Espanya.
Aquesta estètica reaccionària que incorporà en els seus films va amb vostè o és una conseqüència de la mentalitat lliberal d'aquells anys?

A.Padrós: Reaccionària al règim franquista, no? En aquells temps feiem servir tot tipus d’armes per lluitar contra la dictadura, en el meu cas intentava, per mitjà de les imatges, que el meu missatge fos com a mínim, subversiu.


A.B.: Però hi havia uns focus lliberals dins la població...

A.Padrós: Sí que hi havia una contestació. En el meu cas la contestació era contra el feixisme, la injustícia i la moral hipòcrita de l’esglèsia amiga del règim.

A.B.: Però hi havia gent com vostè que pensava en aquest format, en aquesta direcció...

A.Padrós: Sí home, és clar que sí. N’hi havia que si deixaven la pell, filmant vagues, assamblees obreres i manifestacions. En el meu cas, una vegada instal·lada la democràcia en el país, vaig entendre que no tenia cap sentit fer el tipus de cinema que havia fet fins llavors. El país es normalitzava, els esquemes havien canviat, però tot això ja es una altra història…

A.B.: Va ser considerat pel règim com un ciutadà molest, o sigui, i no voldria ser maliciós al fer la metàfora, com un Pimiento del Padrón, d'aquells que piquen?

A.Padrós: No, potser era la meva incociència conscient la que incomodava més, i que es limitava a sacsejar el fonaments més “sagrats” de la societat de l’època. Escandalitzar sempre és molest. En els “Encuentros de Pamplona” a l’any 1972, crec que em van segrestar dos curts metratges, "ICE CREAM" i "PIM, PAM, PUM, REVOLUCIÓ". Però això en aquells temps passava a les millors famílies. El ministre de cultura era Fraga Iribarne i aquestes trobades eren un intent d’apertura als moviments culturals del país. Tot un "fiasco".

A.B.: Es va fer una ressenya a la UOC, la Universitat Oberta de Catalunya, en la que un llicenciat d'allí va calificar els seus films com a "terrorisme domèstic" Defineixi'ns-ho una mica.

A.Padrós: Terrorisme domèstic no se pas que vol dir, potser es referia al terrorime blanc dels germans Marx.


A.B.: Potser es tracta d'aquest format una mica casolà de fer els films. En aquells films de pressupost n'hi havia poc, no?

A.Padrós: No hi havia pressupost, el negatiu era de la casa DuPont i caducat. Però sabíem que la imaginació és poder i això, a la llarga, és el que sobreviu.

A.B.: Els actors d'aquests films eren actors consagrats o bé gent que estudiaven en acadèmia de cinema?
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A.Padrós: Els actors? Alguns sí, però molts ni eren actors. Era gent del carrer que, pel seu físic o algun dels seus trets, m’interessaven per algun paper determinat. Jo vaig tenir la sort de comptar amb una actriu extraordinària. És de Terrassa i es diu Rosa Morata. Molt poc convencional, que es el que m’interessa. Som amics de tota la vida i part dels èxits de les meves pel·lícules els comparteixo amb ella.

A.B.: Li sona una pel·lícula que va ser nominada a Cannes a l'any 2008 que es diu El Cant dels Ocells, d'Albert Serra? Pot ser que tingués una certa semblança amb les pel·lícules que feia vostè? En el sentit del que estava parlant abans, dels actors? Perque aquells actors que eren allí em sembla que no eren ni actors. Eren el seu pare i els germans.

A.Padrós: No ho se. A mi aquesta em va agradar. Perdona, no se si volem parlar de la mateixa. Quina és "El cant dels ocells"? Què es la del Quixot?

A.B.: No. És aquella dels tres Reis.

A.Padrós: No la he vist.

A.B.: És en blanc i negre i no estem parlant.. És un fet bíblic però, més que allò seria com una variant del que s'ensenyava en els anys seixanta Pier Paolo Passolini en tots els seus films.

A.Padrós: Jo em quedo amb Passolini… Em sap greu per l’Albert Serra però em quedo amb en Passolini.

A.B.: Encara que desterri del seu llenguatge la idea de ser considerat com un artista, sap que amb el format conceptual que aborda en films com Lock out o Ice-cream, que el fa separar-se del cinema comercial per endintsar-se en un sistema experimental o com sovint es denomina per la crítica com underground, s'ha guanyat aquell títol?

A.Padrós: No m’hi he fixat mai. Que diguin el que vulguin, underground, independent, marginal, tant me fa. Jo em limitava a fer un cinema de la millor manera que sabia, això sí, em creia el que estava fent; vull dir que a mi m’agradava i naturalment no pensava en possibles espectadors. Ara s’ha demostrat, segons diuent els entesos, que en tot el país, l’unic veritable underground sóc jo. Estic corprès i esmaperdut, el que si et puc dir és que actuava com un veritable kamikaze, donant’ho tot per perdut; des d'un bon començament, mai he esperat res de ningú.

A.B.: Doncs, es pot dir que sota aquest concepte...

A.Padrós: Sóc inclassificable. A mi no saben classificar-me.

A.B.: M'agrada molt aquesta paraula.

A.Padrós: No poden classificar-me. No saben si posar-me en l’apartat d’art, underground, etc. etc.; veus per on, això m’agrada, ho trobo fantàstic.

A.B.: Defuig els convencionalismes.

A.Padrós: Totalment.

A.B.: Alguns crítics pensen que Tarantino combina el pop i l'Anti-art, per mitjà d'una estranya combinació autocopiant de diversos fenòmens de la història del cinema, que converteixen les seves pel·lícules en un pupurri d'efectes i d'idees diverses. És això el futur del cinema o només la incapacitat creativa d'alguns directors, que no volen deixar de basar-se amb alguna cosa existent, començant de zero?

A.Padrós: A mi en Tarantino no m’interessa gens.

A.B.: Per què?

A.Padrós: No m’interessa i punt.

A.B.: Com el veu?

A.Padrós: (somriu) És que no el veig. Tinc dret a dir-ho. No és que no m’agradi, és que no m’interessa. I, lamentablement, la gent que estudia cinema a l’ESCAC el tenen com el seu sant patró, la majoria són Tarantinos en potència. Ai! Si Rossellini alcés el cap, i amb ell tota la tradició cultural europea que hi ha al darrera d’un cinema que ara per desgràcia està en perill d’extinció.

A.B.: Potser és una cagada això?

A.Padrós: És una cagada. Una cagada total, i no dono tota la culpa als joves que volen entrar en aquest món del cinema. A mi em preocupa, perque el tipus de cinema crematístic, brillant i més aviat buit a que són induïts per alguns irresponsables, no te res a veure amb el setè art ni amb els innats talents per descubrir de molts d’ells. Un art mercantilitzat sense experimentació i sense cap mena de bagatge cultural al darrera, tan sols la mecànica de la perfecció per aconseguir un hipotètic Òscar. Patètic.

A.B.: Van estar a punt uns anys enrere...

A.Padrós: No ho se. M’interessa el cinema que fa servir la imaginació, la investigació i tot això que no s’ensenya a les escoles…És lamentable però es així.

A.B.: Això vol dir que el cinema... Com el veu el cinema que es fa actualment a Catalunya?

A.Padrós: Crec que no existeix, el cinema que es fa a casa nostra, o és un cinema anodí. És com un vell conegut que es repeteix fins a l’esgotament, això diguem-ne el cinema comercial o, per altra banda hi ha el cinema pretesament experimental, avorridíssim i que no aporta absolutament res, potser només el silenci mes absolut, com a única iconografia trascendental.

A.B.: Però tenim bons actors aquí.

A.Padrós: Això sí, però els actors són i el cinema i els directors n’és una altra.

A.B.: Així doncs l'aspecte creatiu és el que falla.

A.Padrós: Sí, és clar, això és el que crec…

A.B.: Li faig una última pregunta que va dedicada al Tarantino, que se que no... però...

A.Padrós: A tu t’agrada en Tarantino?

A.B.: Bé, si m'ho pregunta així, directament? (Ric)
De fet, és per això que li he fet aquesta pregunta. A en Tarantino, jo el veig... Si em fa la pregunta, jo li'n donaré la resposta. El veig com... Crec que li he expresat prou bé amb la pregunta que li he fet abans. Penso què, avui dia allò que ja es digui cinema, es digui literatura, es digui pintura, es digui com es digui... Penso que en totes les variants de l'Art, els autors tenen un greu problema: que han viscut molt, saben molt i hi ha molta teoria de molt, i això és la perdició per a molts d'ells, perque podrien començar de zero i fer coses que estan molt bé. Estan preparats per fer això i més; estem parlant de directors, estem parlant d'autors. No parlem d'actors, ja que no és exactament el mateix. I penso que això no es fa. I és més fàcil per a un pintor, per a un escriptor o per a un director de cinema, basar-se en coneixements previs, i a partir d'això, muntar llur composició i crear-ne l'obra. I penso que això és una cortina de fum d'un art que ja no es reivindica en ell mateix.

A.Padrós: El tipus de cinema d’en Tarantino, ja se que el problema és meu, però és que no me'l crec. El seu cinema és un cinema d’estil, puzzles matemàtics que encaixen a la perfecció, però tot és superficial, buit…

A.B.: Falta diàleg. Molts efectes especials i falta de creativitat.

A.Padrós: Hi ha la forma; brillant, violenta, però el fons l’hi falla, els personatges sempre són de “còmic”. Potser per això té tants seguidors.

A.B.: La majoria de pel·lícules que jo veig més a casa meva...quan tinc temps, és clar... Bé, li diré dues pel·lícules que em van agradar molt. No se si les ha vist? Una és de King Vidor, El Manantial. Em va agradar molt, la he vist tres o quatre vegades...és una pel·lícula que té un format....m'agrada molt. I llavors n'hi ha una altra del Humprey Bogart que també està molt bé, de gàngsters, però vaja, jo crec què és una pel·lícula que té un aire psicològic, parla de moltes coses a la vegada. Parlo de Cayo Largo. És un estil de cinema que ja no es fa avui dia.

A.Padrós: Precisament ja fa temps que estic fent un cicle de cinema negre, aquí a casa meva, jo en sóc un “fan” d’aquest cinema. Sobretot de pel·lícules dels any quaranta i cinquanta, i tambe algunes introbables de la sèrie B. Hi ha una pel·lícula extraordinària de la sèrie B nord-americana que poca gent coneix. S'anomena DETOUR, d'Edgar G. Ulmer(1945), un director jueu austro-hongarès que ja em va sorprendre en la seva etapa alemanya amb “Els homes del diumenge” (1930) co-dirigida amb Robert Siodmak , Fred Zinnemann i Billy Wilder. És com un malson. Imprescindible.

A.B.: Què seria? Una espècie de Jungla d'Asfalt?

A.Padrós: És una història de despropòsits, un malson anomenat DETOUR on la fatalitat es transforma en desassossec i et fa sentir inmers en un món kafkià, de manera irreversible.
Un pianista de cabaret a NovaYork que vol retrobarse amb la seva noia a Los Angeles, no té diners i la seva única opció es l’auto-stop; a partir d’aquí els aconteixements es precipiten fins un inesperat final on el protagonista diu: "El destí, o alguna força misteriosa pot assenyalar-nos amb un dit a tu i a mi sense cap raó en concret”.

A.B.: Hi ha una pel·lícula de l'Ignacio Iquino que es va fer a l'any quaranta-nou crec...

A.Padrós: Brigada Criminal?

A.B.: Brigada Criminal... L'ha vist?

A.Padrós: Sí que la he vist. Corre una còpia molt dolenta, però ja la he vist, sí, sí. Però hi ha una pel·lícula anterior molt més significativa; és "Apartado de Correos 1001", amb una escena final al parc d’atraccions Apolo, antològica.

A.B.: No la he vist, aquesta.

A.Padrós: Filmada en una Barcelona desconeguda avui dia, la font de Canaletes amb el seu quiosc-cerveseria, i altres indrets totalment canviats. Llàstima que la còpia no tingui una bona restauració.

A.B.: A mi m'agrada molt la part de l'asserrador de Brigada Criminal. Se'n recorda del gat com el fan volar pels aires i totes aquelles coses que fan són molt esperpèntiques, oi?

A.Padrós: Sí, és clar.

A.B.: Bé, tornant al que deia. Tarantino escriu els guions ell mateix, amb una gran versemblança, tot configurant-se en obra literària en ella mateixa, cosa que fa abans de cada pel·lícula que estrena. Com creu que ha de ser el director perfecte?

A.Padrós: És que jo no hi crec en la perfecció.

A.B.: O un xic perfecte. No direm noms.

A.Padrós: Seria una persona que es creu el que està fent. Però, si la persona que es creu el que està fent és imbècil llavors també és un gran perill. No n’hi ha prou amb les bones intencions; és l’analisi que tu puguis fer en cada instant del teu treball, això és el que val, l’àrbrite ha de ser un mateix, tot assumint el risc de l'equivocació. Per a mi la perfecció és el cinema de Passolini amb totes les seves contradiccions i la seva falta de rigor cinematogràfic; el que val és el fons i no la forma i en això, Passolini era un poeta.

A.B.: Expliqui'ns alguna efemèride. Algun fet que li hagi colpit. Alguna cosa que no se sàpiga i pugui sorprendre als nostres lectors.

A.Padrós: Quan em varen donar el premi de l’Ós d’or a Berlín, a mi i a tota la participació espanyola que hi anava aquell any, que era l’any 1978, en una recepció en que ens va rebre el llavors canceller de la RFA Walter Shell. Em van presentar com un director espanyol i em va dir així en francès: "Ahh, monsieur, vous etez espagnol? Vous etez de Madrid? Oh, non, je suis de Barcelone. Va i diu: Alors monsieur, vous n’etez pas espagnol, vous etez catalan."
Això, a l'any 1978, ho vaig trobar extraordinari. Un alemany, cap del govern, amb una claretat i finesa magistral va tirar per terra tots els arguments que en aquells moments esgrimia la dreta espanyola, amb el senyor Suárez com a cap del govern, que deia que a la universitat no es podia ensenyar en català, perque no existien les paraules específiques per definir las diferents matèries en els llibres de text en aquest idioma. La Incultura al poder i així seguim.

A.B.: És tota una lliçó, no?

A.Padrós: Va ser un moment molt interessant, sí.


Padrós i Rosa Morata parlant amb el canceller Walter Schell en el Festival de Berlín (1978)



A.B.: Actualment té algun projecte guardat al calaix?

A.Padrós: Tinc diversos guions, un d’ells s’havia de fer amb coproducció amb Alemanya. Era una història de vampirisme, de vampirisme urbà… Fou premi de guions de “L’institut de les Lletres Catalanes” (1990). Es tracta d’una història molt ambiciosa, “LA MIRADA”, a on les dependències i les submissions, estan potenciades per l’estret cercle en que es mouen. Les relacions humanes són portades a uns extrems de paranoia. La fixació obsessiva i la conseqüent vampirització intel·lectual a que resta sotmès el protagonista, David, escriptor d’èxit enfonsat emocionalment, confús i fastigosament civilitzat, és la víctima propícia per un jove malalt, àvid de possessió i de saber, malèfica reencarnació d’un vampir urbà. L’acció d’aquesta història transcorre entre Barcelona i Berlín, vaig intentar una co-producció; a Múnic es van interessar per posar una part dels diners però, a Barcelona no vaig trobar cap recolzament.
Una altra és “OMBRES DE FOC”. Aquesta és una historia d’amor que va més enllà de la mort, un fals Werther i una falsa Lotte en un retrobament impossible, on les paraules perden el seu significat i l’acció es transforma en un “tempo” plenament operístic. També hi ha tot un seguit de contes gòtics de terror, d’un terror psicològic bastant inquietant. “MUDANCES I TRANSTORNS”, una historia multiracial de parelles que es fan i es desfan.
De projectes encara n’hi ha molts. Què faig? Doncs mentrestant, activitats diverses, escriure, dibuixar, llegir, pensar…veure cinema. Però tots aquests projectes es perderàn irremisiblement per la llei natural de l'efímer, com jo mateix.




Sergi Mateu i Rosa Morata en una escena d' Una dona al meu jardí (1989)


A.B.: O sigui que podem trobar a en Padrós dintre d'uns anys dirigint una pel·lícula?

A.Padrós: No ho se pas, tampoc et dic que no, però de moment dic el que deia Fassbinder: “ja dormiré quan sigui mort”

A.B.: Bé; deixem-lo aquí el dubte. Ja ho sabrem...

A.Padrós: Tot un interrogant.









Algunes notes sobre Antoni Padrós...


Les mostres del nou art jove procedents de nord-amèrica com foren el graffiti i l'estètica incorporada per pintors com Basquiat, només representa una modalitat d'anti-art existent molt abans dels surrealistes. Aquesta abstracció del món que envolta a l'artista el fa crear formes exagerades, sovint faltades d'un sentit estricte que omiteix tot allò que fa de l'art un concepte en ell mateix. És, d'alguna manera, la personalització d'un fenomen a mig camí del simbolisme i l'street art, provist d'un fort contingut social i curant una mescla que a partir dels anys noranta s'ha batejat com art independent. Aquestes i moltes d'altres són les qualitats que podem apreciar en el perfil d'Antoni Padrós Solanes, director de cinema, pintor i catalitzador del cinema d'autor català durant la dictadura franquista.

La trajectòria d'aquest autor emperò, lluny de competir amb les seves paraules, les supera. D'aquesta manera, podríem descobrir a dos Padrós diferents. Un d'abans i després d'haver descobert la pintura. Així doncs, d'en Padrós pintor, en destaquem les exposicions que a partir de l'any 1966 inicià en la Sala Gaspar de Barcelona. A l'any següent, el Ministeri de Cultura sel·leccionà tres obres seves per representar a Espanya en la Biennal de Saô Paulo. Finalment, a l'any 1968 abandonà la pintura, encara que a dia d'avui les seves obres es poden trobar en diverses exposicions particulars d'Europa i els Estats Units d'Amèrica.
Tancant el cicle del Padrós pictòric, a l'any 2004 es féu una exposició col·lectiva anomenada "El llegat del POP-ART a Catalunya" en la que se'l va convidar.

Quan al Padrós vinculat al cinema, cal dir que del 1968 al 1969 es formà a Barcelona en l'escola Aixelà, amb professors de l'alçada d'en Pere Portabella, Miquel Porter Moix, Romà Gubern... Com a treball de curs realitzà dos films: "ALICE HAS DISCOVERED THE NAPALM BOMB" i "DAFNIS Y CLOE". Aquest últim premiat a Salern (Itàlia) amb el Mascherino d'Argento.
Del 1969 al 1970 va fer dos nous films: "PIM, PAM, PUM, REVOLUCIÓN" i "ICE CREAM". Ambdós foren presentats en el Festival de Cinema Independent organitzat pel National Theatre de Londres, a l'any 1971. Per qüestions polítiques, l'escola Aixelà desaparegué. En aquell mateix any, Padrós produí dos nous curtmetratges, com sempre, amb material caducat de suport irreversible Dupont: "¿QUÉ HAY PARA CENAR, QUERIDA? i "SWEDENBORG". El proper any farà el seu darrer curtmetratge per donar pas als llargmetratges: "ELS PORCS". Però no fou fins al 1973 que Padrós aconseguí l'èxit que el permetria continuar la seva epopeia cinèfila, mitjà un film, "LOCK OUT", llargmetratge de dues hores i mitja, rodat amb negatiu de so, i que es presentà en el Festival Internacional de Mannheim (Alemanya). Després vingué "SHIRLEY TEMPLE STORY", amb el que després d'algunes estrenes per Europa, fou guardonada amb l'Ós d'Or a Berlín per tota la participació espanyola, a l'any 1978. En el mateix any, una competició força renyida que va tenir a Padrós com a guanyador, tot i haver d'enfrontar-se a gent de l'alçada de Bigas Luna, Peter Handke o Werner Schroeter, el va fer mereixedor de l'Âge d'Or a Brussel·les.
Després d'això, la filmografia de Padrós fou coberta d'honors arreu d'Europa.
Uns anys més tard, del 1981 al 1983, convidat pel Ministeri de Cultura, impartí classes a la Universitat d'Estiu d'Oviedo. L'any 1986 realitzà un video professional amb títol "ASCENSIÓ, CAIGUDA I REPÓS DE MARIA VON HERZIG", adquirit per TV3. A partir d'allí, Padrós entrà en una etapa en la que va tenir alguns problemes de producció i falta de finançament per dur a terme les seves pel·lícules, amb exemples com "VERÒNICA L. UNA DONA AL MEU JARDÍ" o "LA MIRADA", entre d'altres.
A l'any 1990, en col·laboració amb el compositor Albert Guinovart projectà una òpera que portaria el títol "OMBRES DE FOC". En aquell mateix any projectà una sèrie per TVE d'històries neogòtiques originals. El capítol pilot fou "LA PUERTA DE LOS SUEÑOS". En el 1995 col·laborà amb Marcelo Schvartz amb el guió de “KABARETT KRIMINAL”.
Uns anys més tard, (2001) es projectà "LOCK-OUT" al MACBA, com un homentage a Pere Portabella. Enguany es torna a projectar en el Lincoln Center de Nova York, mentre que també es projecta en el MOMA "ICE CREAM". Durant l'any vinent, 2010, i per més referència, en el mes de Gener es farà un homenatge dels “Encuentros de Pamplona 1972: Fin de fiesta del arte experimental” pel què el Museu Nacional d'Art Reina Sofia projectarà algunes de les pel·lícules del terrassenc; cap a l'Abril, "La Casa Encendida" de Madrit també li dedicarà un extens cicle amb tota la seva filmografia i, finalment, la Filmoteca de Catalunya projecta editar-li un llibre juntament amb un document de video que recollirà tota la seva obra cinematogràfica.

Amb aquesta entrevista que us hem proposat, us incloem un tràiler de "LOCK OUT", un dels primers llargmetratges de Padrós. A lock-out, Padrós s'inspira en un concepte urbà, el locuts, que representaven a tota aquella gent que la feien fóra de les fàbriques -normalment la que tenia idees més revolucionàries o que anaven contra el sistema- conservant-ne només el personal que s'adheria al perfil de la direcció; fets que podíem trobar en la dècada dels anys 20 i 30 del segle passat. En la pel·lícula, els protagonistes marxen de la ciutat i es tanquen fóra, per ser lliures. Mitjà una caracterització dels personatges, que hom podria pensar més pròpia del naturalisme que del cinema realista dels anys 70, Padrós aborda la psicologia dels seus protagonistes d'una forma tant simple com brillant. En sí, no es tracta de demostrar res, solament fer amb naturalitat, la càmera fa la resta.











Els nostres crítics opinen...

Per Àngel Brichs
Escriptor i Crític d'Art




Quan vaig conèixer aquest home en un sopar organitzat per l'Ateneu Terrassenc ara deu fer un mes i escaig en el que en fou el convidat d'honor, lluny de sorprendre'm pel que deia, sí que vaig fer-ho per la manera com ho deia. De seguida vaig saber que era d'aquella estranya espècie d'autors, dels que a dia d'avui ja no en queden. Més que autors, m'agradaria dir una altre paraula, "artista", un mot que Padrós odia amb gran fervor. I és que Antoni Padrós i Solanes és alguna cosa més que això. En sí, és tot allò que tots volem ser però que mai serem. O dit d'una altra manera, l'efecte i causa final del principi i el final de totes les coses, una cosa que rep una altra definició: LLIBERTAT. Havent dit això, hom dirà: "aquest és tendenciós a l'hora de reflectir els seus arguments". Bé podria ser així, car, hauria de ser una altra persona i tot el que es diu aquí hauria de ser comentat en una altra pàgina i no en aquesta. Aquí s'explica la veritat tal com la veiem, sense falsos rumors ni idees provocades. En aquest bloc no ens agrada la farum que fan els mentiders i els crítics que s'escapoleixen dins les bànues d'una prestigiosa editorial o d'un diari qualsevol. Nosaltres donem a conèixer les nostres idees, d'una manera semblant a la que en Padrós féu en un passat no gaire llunyà en films com ¿Qué hay para cenar querida? o Shirley Temple Story. Per tant, al no fer-nos por el que ens puguin dir, intentem treure el màxim de tots aquells autors que passen per aquesta publicació. I les publicacions que fem des d'aquí no són gens tendencioses, sinó una fórmula d'expressió de la realitat per uns altres medis, dins d'una òrbita independent i, és clar, donant a conèixer tots aquells autors que per mèrits propis han protagonitzat un abans i un després en els gèneres que cultivaren. El d'en Padrós emperò, és un cas a part. Ell va molt més enllà. Empleat de banca frustrat i convuls davant de la societat que el rodejava, volgué expressar la seva realitat en el més pur sentit destructiu de la paraula. En una època on Pier Paolo Passolini creava una nova visió artística independent, sovint titllada d'underground per la premsa i els medis de comunicació, en un sentit particular, també contestatària amb el sistema romà vigent a un pas d'acabar-se la guerra del Vietnam i l'arribada a Europa d'un nou ideal lliberal que s'encauà primerament en les universitats i en els intel·lectuals més joves amb un gran exercici d'aprenentatge però no de còpia; Padrós s'inventà la seva idea de veure l'art, en la pintura, en l'expressió filosòfica del mateix, una idea que el portà, a la fi, a incidir en allò pel que realment havia nascut: el cinema.

Defugint les tendències i les aparatositats galàctico-escèniques que sempre ha generat aquest gènere, qualificat per molts com el Setè Art, cosa que avui dia encara es discuteix molt, Padrós, sense importar-li el que diguessin, va defugir totes les regles i normatives establertes per crear des del no res. Mitjà un sistema de filmació provist de material caducat i restes d'allò que no volia ningú, va treure'n el seu suquet tot fent inspirar la seva fantàstica i sovint per molts, degenerada improvització. Ell volia sorprendre, i ho va conseguir. Res el va fer deturar. Ni l'equip depauperat que utilitzava ni els intèrprets que usava en llurs films (sovint mancats de qualsevol experiència cinematogràfica possible), el va fer trontollar llurs produccions, les quals, en poc més de quatre anys, sense a penes un pressupost viable ni rendible, en creà les suficients com per anar fóra d'Espanya, a fires i tot tipus d'esdeveniments relacionats tant amb aquell nou estil naixent com amb el món del cinema en general.

Heroi? Gran home? No ho crec pas. A Padrós no el veig ni més bò ni més dolent que qualsevol altre director que hagi passat per Hollywood o s'hagi quedat a Europa fent de les seves; no! Però té una cosa que pocs d'ells van posseir a temps: CORATGE. Una paraula que sovint esdevé molt vague en el llenguatge hipocondríac de fer les coses que tenim. Padrós fou tot el contrari. Lluny de classificar-se amb un grup o altre, trencà totes les línies possibles i sense cap mena de pudor ni manies, feu allò que li agradava, com li agradava i explicant normalment amb llurs arguments explosius i gairebé corrosius -on s'abordava el sexe, el treball, la societat i la vida, la mort, el perquè de totes les coses- que pràcticament mai no agradava a ningú. I és que Padrós trencava amb tots els tabús encara existents, en una època molt rància, creant un context cinematogràfic intel·ligent i dotat d'una gran força expressiva que com molts crítics han comentat, s'avançava molts anys a la seva època. Un cinema què, a dia d'avui s'intenta abanderar en la majoria de continents, començant per l'Americà, on aquesta indústria n'és la nineta dels seus ulls. Així doncs, peces com Traffic, Pulp Fiction, 21 grams i moltes d'altres han volgut dibuixar aquest món independent que sempre ha existit, però d'una forma molt tímida encara. Una forma que encara és molt lluny del que predicà Padrós, fruït d'una indústria que, encara que s'hagi adaptat ("sociològicament" parlant), als canvis que la nostra civilització ha fet en els últims anys -pel que fa als temes clau per naturalesa com ara el sexe, els diners i les drogues, mostrant-ne una cara més transparenta que abans- resta molt lluny de continuar l'experiència, encara arriscada, apareguda en pel·lícules com Ice-cream, Lock-Out o La Taronja Mecànica, fruït d'aquella incapacitat congènita de l'ésser humà de soterrar aquella idea antiquada i passada de moda que pels catòlics representa el pecat original.
Déu els hi tingui pietat de la seva ànima.

Fa uns dies vaig veure una pel·lícula que em va fer reafirmar en aquesta darrera idea que us explicava: El truc final. Bé, què hem de dir? És un film força nou, amb actors de l'alçada de l'Scarlett Johanson, Hugh Jackman o el mateix Michael Caine. Només vaig veure quinze minuts de pel·lícula, i ja estava començada quan vaig posar-me-la a veure quan, de sobte, vaig tancar la televisió. No podia continuar veient-la. Era una pel·lícula sense argument de pes, amb conceptes difosos i un fil conductor pèssim. Això és normal quan es mesclen alguns bons actors, fa anys que passa. Però no es tractava d'això sinó de l'espessa mentalitat del seu director, el qual, sempre acostuma a ser la causa d'aquestes coses. De la mateixa manera que els dos mags s'insulten i competeixen pel botí, que resulta ser, valgui la repetitivitat, "el truc final", en el món actual del cinema també s'està jogant en aquest tipus de rifa dantesca que fa que uns guanyin i els altres ho perdin tot. Ja no s'estructura l'art des de la forma i l'estilisme que el fan existir. L'art deixa de ser una forma d'expressió, per passar a simbolitzar un valor neutre que tothom reconeix però que ningú manté. Què és l'art? El contrari de tot el que fem avui dia! De la mateixa manera que pensaven els dadaïstes, anem contra l'Art, aboquem un anti-art, promocionem-lo. Això és el que pensà Padrós. Els resultats: unes imatges de pantalla amb uns primers plans espectaculars, una concepció flagrant de la realitat, ratllant la despersonalització constant, fet que englobà el marc dels seus films amb un interès psicoanalític constant, i un llarg etcètera. Resumint, un valor d'escola. Una eina d'aprenentatge. Mètode? No n'hi ha! Ets tu mateix mitjà la teva experiència i criteri, que resulten ser les bases de tot. Aquest és precisament el problema de les pel·lícules, tal com resa el mateix nom: reproducció audiovisual, la qual, sovint sol ser considerada com una artificialitat total, al ser una realitat fictícia que es representa en un guió molt poc original. Heus ací la base de tot: l'espontaneitat, la naturalesa dels actes que fem. La facultat d'improvització. Això és sublim. Això és Antoni Padrós.




Copyright:

De l'article, ressenya i entrevista:
LITERATURA DEL MAÑANA©

Amb la col·laboració d':
Àngel Brichs

D'algunes imatges:
Antoni Padrós©

Publicat en aquest bloc amb l'aprovació de l'autor:
www.literaturadart.blogspot.com




lunes, 28 de diciembre de 2009

El sexo y la belleza, el cómic de nuestras vidas (DOSSIER)


“Benditos sean mis admiradores, porque de ellos serán mis defectos”
Jacinto Benavente



El fenómeno "pulp", también conocido como el cómic alternativo o underground, busca en el ambiente marginal aquellas realidades que más nos afectan, contándonos cosas que ya sabemos pero que a veces no queremos reconocer, huyendo por tanto del concepto surrealista de ver la acción que la novela gráfica siempre ha preconizado, tomando como protagonistas al homosexual, el pederasta, el pervertido, rompiendo con los tabúes de nuestra sociedad para contarnos la verdad mediante unas viñetas arriesgadas y un argumento que no lo es menos.





Hace ya algunos años, me hallé sumido en una larga crisis creativa. Me volví loco, yendo de bar en bar, agotando de alcohol un estómago que nunca decía basta, y de sustancias menos aromáticas mi boca y mis glúteos. Padecía lo que algunos críticos imbéciles han denominado como la fiebre del Sábado noche. Nada de todo eso es cierto, pero pudiera bien serlo. La verdad es que cuando somos jóvenes e inexpertos, valoramos de una forma más bien pasiva y anecdótica el mundo que nos rodea; e incluso nos sentimos tan poderosos que casi podemos tocarlo con la mano, haciendo como si él fuera nuestro y nosotros lo domináramos. En sí, ello no es más que la mera tarea interdisciplinar que entre la televisión, el cine, la radio y los periódicos, los tan ufanos “medios de comunicación modernos” (yo los llamaría más de “conducción” que informativos), consiguen imponernos desde pequeños. Vivimos monopolizados, manipulados, y ello nos sorbe el “seso”. Y, ¿por qué? Pues porque nada nos afecta. Somos como prostitutas rusas más cachondas y con menos sentimientos que su blanquecina piel, que más parece un témpano de hielo que una ingenua forma humana. No queremos liberarnos. Vivimos para y con nuestro mundo caótico donde el consumismo excesivo, las tarjetas de crédito con comisiones del cinco por ciento y coches deportivos que gastan más gasolina que veinte borrachos bebiendo en una barra libre, disponen la suerte que nos hará llegar al día siguiente con algún centavo o quedarnos en el camino. Competitividad, esfuerzo, voluntad de superación, los temidos tentáculos que condicionan al hombre moderno lo han eclipsado; una eclipisis que sacude en él todo lo bueno y ansía todo lo malo en un supuesto delirio de imbencibilidad que le posee en todo momento, queriendo -mejor dicho- deseando ser más en todo momento. No obstante, el peso específico de su vida y las circunstancias que le obstruyen o no de su exponencial objetivo, pueden más que él, por lo que, al fin y al cabo, la realidad que le envuelve deja paso a la ficción idealista que lo había trastornado.
Dicho esto, el hombre -o mujer, en su caso- descubre tarde (siempre suele ser así), que todo aquello en lo que había creído es un eufemismo y que ya es hora de sentar la cabeza. Pero, por su desgracia, el deseo de volver hacia atrás es más complicado que el hecho de continuar ese ritmo de vida que hasta ahora le -o la- habían caracterizado, a lo que, sumido en una tristeza y con un impulso incontenible, le hacen caer de nuevo dentro del ruedo del vicio, donde todo está permitido y el -o la- único -o única- que pones fin eres tú. Es la forma en la que tenemos de expresar nuestros propios miedos, huyendo de nuestra realidad, lo cuál pagamos a menudo con nuestro ya magullado cuerpo.



“Joder, ya estáis discutiendo...qué palizas...haced como decía mi vieja...decía...”En mi casa mi marido y yo no discutimos nunca...como siempre llevo la razón yo...” Galiano, Marta y Pons


Dicen que la discriminación sexual es un concepto que no tiene más de treinta años de duración ya que durante estos últimos treinta años, el mundo, tal y como lo conocíamos, se ha abierto a la persona humana de una forma que los hombres y mujeres de hace tan solo un siglo no hubieran soñado jamás, algo por lo que hoy podamos decir -salvo raras excepciones- que el género humano goza de ese principio de libertad sexual que antaño le había estado incluso reprimida. Mas, esa supuesta libertad que se nos antoja como un concepto hecho y derecho, nos trastorna día a día en forma de delitos sexuales (violaciones, pederastia, violencia de género...), en un alcance que se nos manifiesta como algo irreversible. Pero, ¿cómo puede ser eso si ya hemos alcanzado esa cota de libertad que tanto tardamos en ganar? ¿Es eso gracias a la ineptitud que tenemos a la hora de utilizar esa tan ansiada libertad que nos han dado? La verdad, no lo creo. Para entender el por qué o el cómo de todo lo que decimos, tendríamos que remontarnos a los orígenes del Ser Humano. Desde el “génesis bíblico” la igualdad “hombre-mujer” no dejó de ser un mito. La mujer, a la que se ha tenido a menudo como la causa de todos los males del hombre, siempre se la ha vulgarizado, dejándola en un segundo término. Ya en la Edad Media y, más tarde, en los inicios de la edad moderna hasta el primer decenio del siglo XX, sólo se veía como un objeto. Un ser minúsculo cuya forma "voluptuosa y carnal" se limitaba a dos cosas: ser madre y esposa. El trabajo y por ende, el estudio, como una tercera posibilidad, quedaban fuera de su alcance.


“En un lugar donde hay mucho de eso...mujeres y bebidas que trastornan y ruidos muy fuertes, Óscar no sabe porque todos saltan y algunos tocan a mujeres y luego ellas les dan bofetadas... Pero Óscar no sabe nada de esas personas que no son hombres y a las que llaman mujeres. Por lo tanto ha decidido irse al cine para aprender.” X. Martí


Por suerte, ese pensamiento poco riguroso, y por lo demás, de naturaleza superficial, que el hombre del "novecento" tenía de la mujer como algo tentador y oscuro, "casi maldito", en la que que se depositaban todos los deseos más oscuros del individuo (tal como idealizó D. Gabriel Rossetti en su Proserpina), quedó relegado a la nada con la llegada del siglo XX. La mujer, que por aquél entonces gozaba de formas más bien rollizas, algo que agradaba sobremanera a los hombres de la época, se transformó en una figura esbelta, ganando unos labios carnosos y una boca increiblemente grande, en contraposición de esa mujer gruesa de antes, que poseía una boca ridiculamente pequeña. Las normas habían cambiado, y una nueva figura femenina con unos atributos más andróginos que la anterior se alzó de las cenizas para reclamar aquello que durante siglos se le había negado. Cocó Chanel fue una de esas primeras damas de hierro que incitaban a un cambio social, fomentando una libertad de pensamiento, favoreciendo esa, hasta la fecha, temida igualdad de derechos entre varones y féminas. La suerte estaba echada, pero el camino no sería fácil. Muchos serían y son aún a día de hoy los obstáculos que tiene que vadear esta "superheroína" del mundo moderno.
Desgraciadamente, la mujer actual, que se jacta de haber conquistado esa tan afanada libertad de expresión y de "movimiento" que antes se le negó, continúa languideciendo en esa somera e ingenua armonía que hace cien años tuvieron sus antecesoras. Compaginado con ese culto a la belleza que ésas iniciaron, la mujer de hoy aparece como una "obsesa" de la belleza como nunca antes se había soñado. Esta mujer adopta como ídolos a Madonna y Naomi Campbell desde que nace, cultivando un exceso de ego que le hará cambiar su personalidad si ello le resulta necesario. Ya no se trata de hacer ejercicio ni de una buena dieta; estamos en una era donde los grandes avances científicos permitirán ganar o perder peso, reducir o engrandecer el pompis y reverter unas bonitas caderas y una cintura que permita "probarse" cualquier tipo de ropa de un solo taconazo y sin apenas esfuerzo. La tecnología ha hecho de esa mujer que no deseaba ser un objeto en el más grande objeto en sí misma, la cual, es víctima de esa cultura estilizada que con tanto interés ella misma se impuso años atrás. La identificación de esos preceptos la encontramos en la persona de la "modelo".




La estética de la belleza y el ideal americano de un mundo perfecto y mejor que tenía su metáfora en conceptos inmateriales como los tebeos "Beano", "Barner" o "Barbarroja", fueron cayendo en desuso con la aparición de una forma diferente de enfocar el amor y el "romanticismo", encarnado en personajes de cómic como "Barbarella" con su "no more living without loving". Sin duda algo que hizo presagiar un cambio de ciclo histórico, donde una sociedad "supuestamente sin vicios" empezaba a salir del armario. La realidad ya no era el Bien o el Mal como se había pensado hasta el momento sino la "non-demande en Mariage" que ya en el 1966, empezaba a reflejar Géorge Brassens con un cómic a medias entre la sátira y lo erótico, "Becassine".





Las modelos, concepto que trascendió cuando Charles Worth teorizó sobre la posibilidad de hacer desfilar a hombres y mujeres para mostrar los nuevos diseños textiles de temporada, algo que hasta la fecha (primer decenio del s. XX) estaba destinado a los maniquíes y, que más tarde llegaría a tener un éxito fuera de toda duda. Como decíamos, la modelo se ha implementado como el ejemplo a seguir por todas esas jóvenes que, con aspiraciones o no, se ven condicionadas por la idealización y acomplejamiento en una nueva forma estética que les sorbe la sesera desde que nacen. Una fórmula derivada de esa aventura consumista y endogámica que la humanidad ve para sí desde los inicios de la revolución industrial y que, fuera de toda regla, se ha constituido como el canal a seguir por todas ellas. Oponerse a la moda es oponerse a la realidad, y eso desde pequeños se nos ha enseñado, es contrariar a la gran masa de la población, la cual quiere seguir las ideas de la mayoría; por lo que la minoría restante queda aislada, marginada y sumida en el culto de lo alternativo y underground, del vicio y de la corrupción, del cuerpo y del espíritu. ¿Queríamos una droga? Ya la tenemos, somos nosotros mismos.


"Lo que la humanidad puede soñar, la tecnología lo puede conseguir" Fujitsu







A menudo, algunos de los grandes hitos musicales del siglo XX se sirvieron de conceptos de la inustria del cómic para generar algunos de sus discos, sumidos siempre en ese concepto POP, el cual, venía a simbolizar esa tan deseada parcela de libertad que sólo a partir de los 80' no hubieron conquistado en toda su dimensión.







Y aunque persigamos un ideal noble y seamos pertinaces en nuestros objetivos -por otro lado incuestionables- tanto en el método como en lograrlos, siempre caemos en esa corrupción, esa contracultura del estilo, que tanto queremos rehuir pero que sigue fascinándonos. Para ello, el hombre de hoy posee una larga lista de "leimotivs" para dar rienda suelta a sus instintos más perversos y sádicos. Eso, por lo menos, tiene mucho más que ver con esa mujer "artificial" de la que hablábamos ya que un nuevo ser, rara mezcla de mujer y hombre ha nacido. Otra mentira más. Pero no creo que necesitemos contar que la transexualidad es algo que se remonta a la época de Alejandro Magno; nos alargaríamos demasiado en nuestras disquisiciones y no es precisamente lo que buscamos aquí. Por tanto, ya tenemos a ese híbrido, ese factor X que trasgrede todo lo que somos, tanto por una u otra parte. Ya no se trata de ser o no ser sino sólo del qué somos en realidad, y aún más, hasta dónde llegaremos en la liberalización de nuestro cuerpo. Algunas de estas preguntas retóricas, o sea, que no buscan la respuesta porque ya la han encontrado, son las que nos hacemos a veces cuando nos hablan de estas cosas. Siempre que podemos, tratamos de evitarnos malestar al no dar esas respuestas, en una extraña mezcla de respeto y pudor por ese prójimo al que no sabemos identificar ya que no sabemos lo que es. Pero para sincerarnos, tenemos que decir que sí sabemos lo que es. En sí, no es más que ese factor X, esa tan repudiada por todos realidad que negamos continuamente y de la que, en más o en menos, nos alimentamos de ella. Si no es así, coged un periódico cualquiera y adentraros en la página de contactos y veréis que en los últimos años, a ese ser humano (ya sea hombre o mujer), ya no le motivan ni el sadomasoquismo ni las prostitutas (sean del país o sexo que fueren). A ese gran corrupto que se las da de gran hombre (o gran mujer), que fantasea de noche con otras mujeres u hombres mientras duerme con la suya, busca en lo inhóspito, lo oscuro, su vehículo de escape, y es precisamente en ese principio de bisexualidad que se encuentra en todos nosotros aquello con lo que ese ser sueña en cada momento. Pero al fin, ya no tiene porque soñar con algo que no existe ya que la ciencia lo ha creado para él. Como dijo una vez Peter Pan, "cualquier cosa es posible si la deseas intensamente". Y he aquí que hasta con eso se dio en el clavo. Y esa ciencia que hizo convertir al hombre en mujer o la mujer en hombre no es más que el arma de la belleza del siglo XXI: la cirugía estética. Lo que la naturaleza no pueda resolver, el modelismo genético y los implantes de silicona lo harán por ella. De eso se trata, de un cortar y pegar. Pero, bien pensado, una vez hecho todo eso, ¿qué nos queda? ¿Continuamos siendo nosotros o hemos evolucionado? No me toca a mí decirlo ya que el hablar de eso podría ser prejuicioso e incluso tendencioso ya que muchos conceptos patológico-sociales e incluso sicológicos se derivan de ello, pasando por la no menos agradable cuestión laboral. Y es que en parte se trata de eso. Lo cual nos hace incidir directamente en el objetivo final de nuestras pesquisas:La industria del "porno". Un culto de masas que en los últimos años se le ha brindado unos honores que en mucho tiempo se le habían negado. He aquí la más pura sublimación de la realidad erótico-social que hasta aquí les hemos venido contando. Es precisamente en el fenómeno social que hace poco más de treinta años se vio como una satanización de lo erótico con el tan aclamado filme "Garganta profunda" que, a día de hoy se ha convertido en el exponente más claro de la libertad de expresión de la que gozamos. Otra mentira, y gorda, ya que si observamos la historia de lejos podemos ver ejemplos parecidos en textos en sánscrito como el Kamasutra o incluso en el libertinaje existente en la antigua Roma o en la Grecia clásica, lo que significa que el sexo, como modelo y parte integrante de nuestra sociedad, también había estado desacralizado. No obstante, aunque en esos periodos históricos se fundamentó como algo normal, desmitificando todo pudor o gusto obsceno que tenía que ver con el placer carnal, nunca se vio como algo comercial, si bien sí lo era en cuanto a la prostitución, nunca lo sería como un espectáculo en sí mismo. Es por ello que esta evolución del erotismo que ha venido hasta nosotros, ha convertido esta industria, que no engloba tan solo lo cinematográfico sino también todo tipo de juguetes y artilugios que confieren el placer más intenso en las zonas erógenas de nuestro cuerpo, en ese modelo sexual que durante tanto tiempo tardamos en conquistar.




Ya en los 80', revistas como Zona 84 o Metal Hurlant, con autores como Richard Corben o Esteban Maroto, se plagaron de ilustraciones con un fuerte contenido erótico. Historietas en las que la figura del superhéroe era interpretada como un personaje normal, ni con más fuerza ni con más poderes que otros, hecho que pudo resarcirse de la ingenua figura irreal que hasta el momento había desempeñado. Unos años más tarde, en Japón, un nuevo género de cómic, el "manga", encontró un mar de posibilidades en un nuevo terreno antes intransitado, inventando un cómic para adultos que hasta ahora no se ha podido igualar por sus homónimos europeos y que atrae millones de seguidores: el "Hentai"
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Empero, sólo se intuye como espectáculo en sí mismo aquél que ha hecho de actores y actrices como Nacho Vidal, M. Cortés, Lucía Lapiedra o Sandra Uve, estrellas de un nuevo género que arranca dentro del cine pero que huye de él como la peste, recreándose en algo interno, visceral, nuestro: el culto al cuerpo. Un culto un tanto sexual, eso sí, pero no exento de unos conceptos inherentes a nuestra existencia. Ciertamente podríamos creer esa postura como algo materialista y es que lo es. Pero si ahondamos en la esencia misma de lo que somos y contemplamos nuestra existencia como seres vivos, veremos que uno de los aspectos principales de nuestro modo de vida radica en la reproducción. Las primeras leyes de la biología, en tanto a existencia y culminación de la especie convergen en tres estados de existencia: nacer, reproducirse y morir. En cambio, nosotros, a diferencia de las otras especies, poseemos la capacidad de razonar el sentido de las cosas, algo que hace inventarnos nuestras propias normas y códigos de conducta. El sexo, en tanto a que acto sexual se refiere no es algo malo. Tan solo las consecuencias que deriven del mismo podrán ser consideradas de ese modo o no. Y ahí viene nuestra conciencia y un concepto más religioso que ascético que se llama ética, el cual converge directamente en otro, que el que deviene por ley como obligatorio y se llama civismo. No obstante, existe un tercero que, gracias a la voluntad del Hombre en hacerse amo y señor de sus propias libertades ha adoptado como suyo: el Placer. Éste último ve al sexo (a difererencia de un acto de transmisión universal y necesario para la procreación humanas), como un elemento que da placer y, en sí mismo, recrea las formas más variadas y extenuantes para presentar como posible esa idea hasta las últimas circunstancias.
Dentro de la filmografía pornográfica podemos ver distintos subgéneros donde las escenas de contenido erótico se mezclan con unos diálogos que se prolongan de forma más o menos extensa en toda la película (películas de serie Azul o de porno blando, p. ej. "Calígula" de Tinto Brass) hasta las que vierten un alto contenido sexual en la mayor parte de las escenas y secuencias (Hard-Core, XXX, XY, X, XX).


De los últimos cómics aparecidos en España, Rubber Flesh (carne de goma), ha sido uno de los que han descrito la mujer del futuro de una forma más o menos objeto, tal como antes indicábamos. Esa miniserie nos narra diversas historias de Monika Ledesma, una programadora de una empresa informática que es víctima de un experimento tras sufrir un mortal accidente. Miguel Ángel Martín nos dibuja una forma alternativa de ver el liberalismo de la mujer en un futuro no muy lejano, en el que los hombres se han convertido en mero objeto de deseo para las féminas y éstas son perseguidas por silicoides, un prototipo de androide que sólo tiene dos pensamientos en la cabeza: follar y destruir. La protagonista, Monika, representa la personificación de una devoradora sexual con cuerpo de modelo y hecha de biosilicona, la cual resulta ser inmortal, ya que su cuerpo tiene la capacidad de regenerarse al completo si recibe algún daño. Tan solo pueden matarla las pistolas que usan los silicoides, las cuales derriten toda sustancia, sobre todo la silicona. Una visión muy surrealista del futuro vista por el que fue galardonado con el premio internacional Yellow Kid 99', como mejor autor del año pero, que sin lugar a dudas pone de relevancia algunos de los conceptos tan arraigados a la mentalidad de la mujer del siglo XXI, hecho podríamos decir que profético, ya que algunos años más tarde, en 2010, se estrenará una película X cuyo argumento se instala en un futuro cercano donde el Planeta es dominado por diferentes bandas anarco-punks y al principio de la cual se pasará una "secuencia de dibujos animados" en el que se recrea los diferentes actores y actrices que salen en la película.

Últimamente, en un programa llamado Mundo X retransmitido en Canal+, se trivializó sobre este cine como un sustrato del Arte. Yo no me atrevería a decir tanto, ya que el concepto de cine en él ya es bastante atípico y penoso -dada la poca argumentación en diálogos e hilo conductor de los que dispone- para poderle atribuir tamaña idea. Mas, quizá ponemos frecuentemente en duda su calidad gracias a esa radicalización de lo prohibido y frecuente mentalidad caduca y nada liberal que aún nos condiciona. Quizá porque no nos hemos liberado del yugo de que nuestro cuerpo se hizo por algo más que trabajar y procrear, dejándonos facetas como el sexo como algo particular e íntimo que sólo nos atiende a nosotros mismos y a nadie más. Quizá porque pensamos que esas películas se basan en ser eso, películas, y no el resultado de la exploración por algunos de los rincones más inhóspitos donde habita el placer. ¿No yace acaso allí el arte que todo artista precisa, y con él, el gozo del espectador que distingue lo banal de lo que le divierte, causa y efecto de que lo que el arte en sí debe expresar en toda su dimensión para poder captar la atención del público? Tan solo llegando a este punto amoral, y a su vez ascético, de estudiar todos estos conceptos comenzaremos a encontrar algunas dudas hacia nuestros razonamientos anteriores. Sólo así podremos llegar a entender y conceptualizar nuestros antiguos prejuicios para buscar la lógica que los envuelve. ¿Es eso malo e inmoral? No lo creo. Lo verdaderamente inmoral es creer entenderlo todo sin entender nada. Es luego cuando nos cubrimos con el suave velo de la ética para "justificar" nuestros actos y materializar verdades y códigos inmutables que no son más que burdos intentos de ocultar la realidad. La ciencia ha evolucionado, sí, pero fruto de ese consumismo exacerbado ha sido posible evolucionar hacia estados más íntimos de libertad que hasta hace bien poco sólo eran un mito. Y con eso no quiero ni pretendo ser apóstol del libertinaje como pudieran entender algunos individuos de mente estrecha, ni tan solo promover el sexo y la pornografía como algo necesario sino para hacer comprender que la verdad está en todo y si no damos ese paso que nos haga estudiarla de un modo entero sólo nos quedaremos por el camino. Un camino estéril que se nos hará inmensamente impersonal en la medida que avanzamos en nuestras vidas, creyendo ser esa mayoría que adora la belleza y la estética, gente con gran clase y tesón que, lejos de circular por el camino de la verdad, nos iremos anclando en unas ideas postizas que nos aislarán más y más del mundo en que vivimos, creyendo estar en lo cierto en algo que tan solo esa minoría que tanto despreciamos, posee en toda su concepción.




Copyright:


Introducción y artículo:
Ángel Brichs©

Escritor y crítico literario







Nancy Reyes: “embajadora del arte cubano”



En la fotografía: Nancy Reyes en su estudio de La Habana.


«Yo recuerdo que Wilfredo Lam, en contacto con la naturaleza de Cuba, al volver a contemplar los árboles que había visto en su infancia, al ver las plantas que crecían a su alrededor sintió una especie de choque. Hubo, de repente, un cambio diametral en su pintura y en su manera de ver la superficie por cubrir colores. Y un día, hallándose en La Habana, el gran marchand francés Pierre Loeb […], fue a verme y me dijo […]: “Vaya usted a casa de Wilfredo Lam y verá usted que allí se está pintando un cuadro absolutamente extraordinario”. Llegué, efectivamente, y me encontré ante un cuadro titulado La silla, que representaba eso: representaba una silla colocada en un jardín, y sobre esa silla había un búcaro con flores. Pero la interpretación de todo aquello , que al parecer podría ser una naturaleza muerta, más o menos trivial, era de una novedad tan grande, de una fuerza plástica tan extraordinaria, que en el acto, al igual que Pierre Loeb, me di cuenta que estaba naciendo algo nuevo en la pintura de Lam. Lam estaba realizando, poco a poco, una especie de simbiosis; estaba hallando en los elementos de la flora tropical, de la flora de Cuba, una serie de factores plásticos, que iban a transformarse en las figuras imaginarias de sus lienzos». Alejo Carpentier



Para entender el arte de Nancy Reyes tenemos que remontarnos directamente a los orígenes de las, entonces, nuevas expresiones pictóricas que surgieron a finales del s. XIX tanto en América como en Europa. En esa época, las principales potencias coloniales (España, Francia, Inglaterra), habían surcado ya los mares de medio Planeta en rápidas embarcaciones y buques alquitranados, llevando consigo a intelectuales (pintores, escritores, científicos...) que, en contra de lo que el colonizador hacía gala en sus ampulosos discursos y su retórica capitalista, ayudaban a difundir la cultura europea de una forma muy particular. Sin hacerse eco de la retórica y el pragmatismo cristiano, esos eruditos se enzarzaron en el estudio de las costumbres isleñas que, seguidos de un gran foco migratorio (muchas de las islas antillanas se repoblaron con esclavos venidos del continente africano), que importaron también sus ritos y costumbres que, junto con los nuevos conceptos artísticos europeos nacientes se mezclaron con ellos en una singular simbiosis, hecho que propiciaría un némesis en un corto plazo de tiempo, de la contracultura que los colonizadores lucharon tanto por implantar, cosa que se materializaría en los primeros conatos de resistencia como el alzamiento de los esclavos haitianos a mediados del s. XIX, y que tan solo unos decenios más tarde sería seguido por la independencia de muchas de las colonias francesas, holandesas, portuguesas, británicas y españolas de las islas del Mar de las Antillas.



Imagen: Pintura de Nancy Reyes



«[…] Así, en muchos viejos palacios habaneros, en algunas ricas mansiones que aún han conservado su traza original, la columna es elemento de decoración interior, lujo y adorno, antes de los días del siglo XIX, en que la columna se lanzara a la calle y creara […] una de las más singulares constantes del estilo habanero: esa constante es la increíble profusión de columnas, en una ciudad que es emporio de columnas, selvas de columnas, columnata infinita, última urbe en tener columnas en tal demasía, columnas que, por lo demás, al haber salido de los patios originales, han ido trazando una historia de la decadencia de las columnas a través de las edades».
Alejo Carpentier




Imagen: Una de las ilustraciones que podemos encontrar en el libro “Noa Noa”, de Paul Gauguin.
Del mismo modo que representa un beso sincero para un par de enamorados, Gauguin logró localizar a miles de millas de distancia de su país natal, el atisbo de ese amor virginal que le permitió reivindicar los motivos y principios de ese Arte Moderno que con tanto énfasis buscaba
.







Pero, vayamos por partes. ¿Quién es Nancy Reyes? Antes de hacernos esta pregunta tendríamos que indagar acerca de los principios más elementales por los que se cimenta el arte cubano. Si bien es cierto que la pintura cubana ha trascendido de forma especial, en cuanto a su relevancia internacional se refiere, a partir del nacimiento de la nueva Vanguardia Cubana, o lo que es lo mismo, lo que algunos críticos denominan como postmodernismo cubano; algunos de las bases de partida de un arte tan variopinto, tanto por sus similitudes con el europeo occidental como por el arraigo de su mística y atributos que andan a tientas entre el folclore y los ritos isleños, se remontan a artistas haitianos, como Numa Desroches (1802-1880). El arte haitiano, admirado en todo el mundo desde hace lustros, se destaca por una mezcla de lo que Gérald Mouial describió en su libro "Arte mágico" y las nuevas tendencias pictóricas venidas de europa que importaron artistas como Zayda del Río o Wifredo Lam. No obstante, a diferencia de los artistas europeos, como Gauguin, que se apartaban del bullicio de las ciudades para indagar acerca de nuevas formas de expresión pictórica, los artistas cubanos siempre se destacaron por un especial celo patriótico que mostraban en todos sus lienzos, retratando las costumbres tradicionales y escenas costumbristas de toda índole; algo que se ve perfectamente en el surrealismo languideciente de Wifredo Lam que, tras viajar repetidas veces a Haití, se acercó cada vez más a esa cultura afroamericana que, combinada con pautas estéticas occidentales como vemos en los rasgos cubistas de "La Jungla", siempre se apoyó en una síntesis artística entre ambas, insinuando aquello que se podría denominar como inconsciente colectivo del pueblo, y que no representa más que la iconografía ancestral cubana, con sus búcaros (o girasoles dorados). Elementos que podemos encontrar en la cosmogonía de los "hougán" y que no son más que algunas de las consecuencias de la inmigración haitiana hacia Cuba entre el siglo XVIII y el XIX, fruto de la revolución indigenista y otros cambios sociopolíticos que la afectaron. Los haitianos, descendientes directos de esclavos africanos, importaron las creencias religiosas y ritos paganos que existían en sus territorios de origen como el Reino de los Achantis y el Dahomey, la actual Guinea y Costa de Marfil. Eso explica el gusto por los colores Rojo, Blanco, Negro y Amarillo que podamos apreciar en La "Catedral en Amarillo" (1961), de René Portocarrero.




Imagen: Pintura de Nancy Reyes



Pero yendo de nuevo al objeto de nuestras exploraciones en las bases del Arte Naïf cubano, de la que Nancy Reyes es una de sus principales exponentes en la actualidad, nos tendremos que remontar de nuevo al entorno haitiano. Allí empezaron a tomar forma aquello que más tarde los críticos de arte de todo el mundo hemos denominado como arte ingenuo, ya que aquél fue una rara mezcla entre el grafitti de expresión social que más tarde haría Basquiat con un método de expresión afrancesada, producto del impacto que había provocado en los isleños el colonizador galo. Y aunque dicha pintura ostentaba unas notables connotaciones con la antes mencionada cultura indigenista africana, fruto de los nuevos focos de pensamiento liberal que impactaron directamente en la población esclava y criolla, fuera más tarde el detonante de ese sentimiento patrio del que esa pintura nunca quedó ausente. Asimismo, aún sin dejar de lado los conceptos europeizantes de esa pintura originaria que se centraba en paisajes y cuadros de costumbres cotidianos, el mecenazgo de grandes figuras de la independencia haitiana en favor de intelectuales y artistas como Alexandre Petion o Henri Christophe, consiguieron llevar esa pintura más allá de una mera expresión social hasta configurarlo como una herencia "propia", patrimonio de la isla, cuyos ejemplos se hacen notar a día de hoy en lugares como el Palacio Sans Souci.
Años más tarde, en pleno auge del movimiento cubista en Europa, Pablo Picasso pinta "Las Señoritas de Avignon", el cual, con sus volúmenes geométricos y figuras cúbicas sencillas carentes de cualquier tipo de recargamiento, atisban un enfoque paupérrimo que los pintores naïf ya extrapolaban en una medida parecida en el otro extremo del Atlántico, con formas semióticas de edificios y personajes de la vida cotidiana que, a diferencia de sus contemporáneos europeos, éstos carecían de una graciosa falta de conocimientos técnico-teóricos, cosa que se traducía en una falta de perspectivas y una línea de fuga, lo que atenuó a una imprecisión pictórica como sujeto de la falta de un método que no tenían, provocando por ello la exageración y el desajuste de las proporciones, algo que todavía podemos vislumbrar a día de hoy en artistas como Luís Manuel Torres Viamonte con su obra "El saludo y Procesión". Ya en su trabajo "El Caribe como protagonista de la Vanguardia", María Virtudes Nuñez Fidalgo nos habla de las conexiones entre el vanguardismo europeo con el arte naïf haitiano en la Expo Surrealista de París en 1947, hecho que, como argumentaba la "Revue du Monde Noir": "el hombre negro ganó su respeto a occidente al plantar su bandera".


A partir del 1950, el arte naïf se centró en paisajes y edificios, huyendo de los cuadros de costumbres, convirtiéndose en una pintura claramente materialista, donde lo comercial orientado en público o "target" era su objetivo predominante. En esa época, la pintura naïf ya se había expandido por todo el mundo, gracias a la resonancia que obtuvo a nivel internacional, en Francia con Henri Rosseau, Grandma Mose en los Estados Unidos, Alfred Wallis en Reino Unido o Cándido López en Argentina, entre otros.



Imagen: Pintura de Nancy Reyes




Sería imposible entender el fenómeno pictórico sin atendernos a las circunstancias sociales y culturales de una época, y de allí tiene un punto de vista muy importante la concepción que la literatura da del mundo que nos rodea, hecho por el que el pintor, como artista que es, no le resulta indiferente y que afianza como idea propia de las creaciones que pueda proyectar. Asimismo, en el prólogo de "El viento de este mundo", Alejo Carpentier nos contaba de forma sucinta lo que para él representaba la teoría de "lo real maravilloso" o lo maravilloso en lo real, que no es más que la interpretación personal de ese realismo tropical que le rodeaba y que resultaba ser la esencia del mestizaje fruto del legado cultural que Cuba, su país, poseía. Precursor, según algunos críticos, del realismo mágico latinoamericano, fue ejemplarizado en obras de Lam y otros autores que Lezama describió como Barrocos surrealistas. Lo fueren o no, lo cierto es que dicha corriente propició el auge de un nuevo concepto "naïf" que añadió simbologías e iconogramas con la representación más bien "impresionista" de pintores como Eduardo Roca, Kcho, Fabelo o Mendive, entre otros, que satinaron con su pintura de vanguardia las tradiciones populares, como puede verse en el pavo real de "El gran hipnotizador" de Zayda del Río. Y es que los trasuntos cubanos poseían parte de esa naturaleza e historia amerindia, con cosmogonías diversas, como Las Molas de los Kunas de Panamá, las cosmogonías andinas ancladas en los mitos de los Cristos negros, los ponchos Quechuas y Aymaras, los motivos textiles mayas y las artesanías mágicas, conformando por ello la expresión antropológica o Abakuá que origenistas y estudiosos calificarían como "sincretismo religioso caribeño"; gozando por fin de ese vestigio histórico independiente que los hacía tan cercanos y tan diferentes al mismo tiempo, del viejo colonizador. Supongo que sería por eso que gente como Louis Aragón viesen el arte naïf como un cúmulo de ideas y conceptos marginales, espontáneos y modernos, que yacían en esos anarquistas del pincel, llegando a la conclusión, diciendo que "sería ingenuo creer esra pintura ingenua".
Pero no fue hasta la década que fue desde mediados de los cuarenta hasta mediados de los cincuenta, con el nacimiento de una nueva revista en el seno de la sociedad y cultura cubanas cuyo nombre fue Orígenes cuando el arte cubano alcanzó su máximo explendor. Esa revista, que se nutrió de los intelectuales más relevantes de la vida bohemia cubana de aquél entonces, con personas como René Portocarrero, Wifredo Lam o el filósofo y poeta del origenismo, J. Lezama, calificaron la pintura de la época como "la imagen surgiendo de las libertades de un paisaje propio".
J.L.Lima, uno de los colaboradores eventuales de la revista, junto con Cintio Vitier, que en esos momentos se hallaba enfrascado en un manifiesto de salvación nacional y artística que intentaba huir de todos los "ismos" propios de las corrientes artísticas europeas, al profundizar en la crítica de la poesía de José Martí dicen: "José Martí fue para todos nosotros el único que logró penetrar en la casa de alibi. El estado místico, el alibi, donde la imaginación puede engendrar el sucedido y cada hecho se transfigura en el espejo de los enigmas". Bien podría ello acentuarse en lienzos como "Paisaje de la Habana en rojo" (1972) o "Ciudad"(1948), ambas de R. Portocarrero. Hablamos de esas pinturas porque tienen una clara semblanza en los originarios vestigios pictóricos naïf de algunos años antes, y que más tarde, ya en la segunda mitad del s. XX, pintores de Europa oriental, e incluso soviéticos como Filonov, experimentaron en algunas de sus obras. De entre ellos podríamos destacar a Radi Nedelchev, galardonado con el Premio Cirilio y Metodio, el más importante en materia cultural en su país y que fue potencial exponente del naïf bulgaro con obras como Wings (1979) o Mosque in Razgrad (1972).
Mientras, en la isla caribeña nada cambia. Sus columnas y catedrales aguardan impertérritas en un espacio de ensoñación que sólo es apreciado en su total contenido por esos artistas que hacen de este arte ingenuo algo vivo, donde el impacto que sufrió "la revolución" no fue más que una vuelta a esos orígenes indigenistas de lo que Lezama atribuía con frases como "el barroco americano tiene via propia, aún errante, es arraigadísimo en sus esencias", lo que le confería "punta fina para el habla y la distinción de donde viene la independencia". He aquí los preceptos fundamentales del Arte Moderno Cubano. Un arte que, aún anclado en un rigor patriótico que está fuera de toda duda, investiga nuevas fórmulas de desarrollo para un arte que se ha concebido más como un souvenir que una disciplina artística en su estado más puro. A lo que por ello nos encontramos con artistas actuales como Nancy Reyes, los cuales quieren regenerar estas primitivas tendencias para conseguir rehacerlas con un lenguaje nuevo y directo.
Y para ello, Reyes mezcla colores chillones con otros más convencionales como el negro o el marrón, creando esa superficialidad tan propia del naïf pero que ella nos muestra de un modo esquematizado, donde un perfil sujeto a un lirismo presente en todo momento recrea los edificios y ambientes cubanos, como otrora lo hiciera Gauguin en su álbum Noa Noa, con sus acuarelas que dibujaban los símbolos maoríes que el pintor francés vio en las Marquesas. Por desgracia, la ingenuidad de Gauguin no le permitió ver que aquello que pintaba no era más que una regresión inmaterial de aquello que nunca le había pertenecido y que fue en su busca a miles de millas de distancia de su país de origen. Algo por lo que artistas como Reyes no tienen porque preocuparse, dado que el paraíso que necesitan para encontarse con ese infantilismo tan ansiado, lo tienen a cuatro pasos de sus casas. Ellos no necesitan ni siquiera buscarlo ya que ese "primitivismo" del que hablaba Paul les ha sido obsequiado desde su nacimiento, por lo que, en cierto modo, son libres de ese "pecado original" que hizo mella en la creatividad de cuantos pintores europeos existieron.

"Fui seducido una vez por esa tierra virgen y por su raza primitiva y simple; he vuelto y voy a volver para hacer algo nuevo, hay que remontarse a las fuentes de la humanidad y en su infancia"
Paul Gauguin



¿Podría ser eso el núcleo y base misma del arte que los pintores de hoy buscan todavía? Resulta difícil decirse sino fuera porque cuando vemos la naturalidad con la que pinta Nancy se nos van todas las dudas. De la misma forma que en los diseños más vanguardistas de la arquitectura actual, en los que por rara mezcla de un neominimalismo y un estilizado modelo que inició hace más de veinte años N. Van der Rohe, difunde unos conceptos supradimensionales, combinando un cromatismo impactante para dar vida a unas construcciones inexpresivas, Nancy recrea toda su ingente creativo en los edificios y tópicos Habaneros, sin inventarse nada más de lo que ven sus ojos y su rapaz imaginación.

La arquitectura, a diferencia del arte de Reyes, sólo se deja ver desde fuera, desde el exterior, mientras que es imposible discernir desde la fachada por el espectaor qué vivienda es más grande que otra. En cambio, la irregularidad en el trazo del Naïf permite al espectador descubrir sus impurezas, hecho por el que puede diferenciar un edificio de otro, a diferencia de la arquitectura, la cual sólo ofrece una perspectiva aérea, objetiva. En ella, el cliente final siempre condicionará el estilo que el arquitecto deberá llevar en la obra, siempre ajustándose a tres principios fundamentales (costo de la obra, topografía y parámetros de edificación). Hasta que un día, Reyes descubrió en la pintura la posibilidad de llevar a término el sueño de cualquier arquitecto, dibujar desde la nada, sin normas de conducta, sin trabas, donde la ausencia de ese perfeccionismo que tanto arrecia en cualquier arquitecto le permita crear sin miedo, descubriendo por ello en la pintura, el canal necesario para realizarse a sí misma, polarizando esa parte creativa en ella, que ruge por salir a la luz y, que durante tanto tiempo, estuvo encarcelada en paredes de ladrillo y hormigón. Por fin, el sueño de cualquier arquitecto de dibujar aleatoriamente, descargando franqueza y altas dosis de imaginación, han encontrado para Reyes refugio en ese concepto de ingenuidad que le corresponde a todo dibujante en la pintura. Ahora, ya dueña de su "lay out" particular, será la dueña de sus actos. Ahora le toca regir su destino, sola.



Imagen: Pintura de Nancy Reyes



Nancy, integra sus nociones arquitectónicas en la modelización de una pintura que deviene una ilustración del paisaje urbano de Cuba y de las inmediaciones de La Habana; un paisaje que puede representarse como algo somero e incluso infantil en su planteamiento artístico más básico pero que consigue ir más allá de lo que Martin Handford, autor de Wally, quería representar en sus dibujos, ya que la pintora no dibuja contenidos, como si de un caricaturista de calle se tratara, ella dibuja en base de lo que ve. Y si lo que ve es irregular, ella lo pinta, ya que antes, a diferencia de las pinturas Naïf de finales de s. XIX y principios de s.XX, en las que sus autores pintaban a tientas, ella representa la figuración de lo que su intelecto y las fotografías que ha tomado antes de crear la obra le dictan, uniendo por una parte sus cualidades de fotógrafa profesional que es con esa perspectiva acientífica captada por intuición, con colores brillantes y contrastados, donde la artista busca su espontaneidad.

Harta conocida es esa faceta innombrable, ampliamente arraigada en el cubano de nuestros días que se representa en su lasitud, mas eso no ocurre en el caso de Nancy, la cual se alza como una mujer provista de una gran templanza y voluntad de superación, poseedora de una humildad que la caracteriza tanto como madre como arista, deviniendo en esa sujetividad que busca todo lo interior de uno mismo, cosa que infiere directamente en sus obras, creando ese "toque" personal por el que cada artista se caracteriza, con sus pinturas de edificios, gallos, búcaros y otros elementos de la esencia religiosa e iconográfica cubana, para interpretar aquello que ella define como un acto de fe: la pintura. Con un total de treinta exposiciones en Cuba y otras en Europa, esta arquitecta graduada en el Instituto Politécnico "José Antonio Echevarría" une los motivos tradicionales sujetos en el campo, la ciudad y el color a una expresión social mediante la sobriedad del delinente y objetividad del fotógrafo profesional que entre la ciudad de las columnas de Alejo Carpentier encuentra todo aquello que necesita para dar rienda suelta a su imaginación y creatividad. Una creatividad que no huye, sin embargo del mismo modo que sus antecesores, de la naturaleza insular que se acentúa en las raíces multiétnicas de la cultura caribeña, hecho que ejemplifica en cuadros como los que se pueden ver en la Galería Diago, en la Plaza Vieja Muralla, 107 de La Habana Vieja.


«[…] Así, en muchos viejos palacios habaneros, en algunas ricas mansiones que aún han conservado su traza original, la columna es elemento de decoración interior, lujo y adorno, antes de los días del siglo XIX, en que la columna se lanzara a la calle y creara […] una de las más singulares constantes del estilo habanero: esa constante es la increíble profusión de columnas, en una ciudad que es emporio de columnas, selvas de columnas, columnata infinita, última urbe en tener columnas en tal demasía, columnas que, por lo demás, al haber salido de los patios originales, han ido trazando una historia de la decadencia de las columnas a través de las edades».
Alejo Carpentier


Por estos motivos, Nancy Reyes se presenta como una perfecta embajadora del arte cubano allá donde vaya, sumiendo esa pintura que fue el origen del sentimiento patriótico y caldo de cultivo de los primeros hitos independentistas americanos, en un arte sencillo, embotellado, en el que no existe método previo y que prima por su simplicidad. Arte que, de todas todas, deviene como una expresión del pueblo y en un grado más íntimo, del proletariado, medio un concepto africano que surgió como un revulsivo al colonizador.


Sobre la Autora...


Nacida en La Habana, Cuba (1953), Nancy Reyes se graduó en el Instituto Superior Politécnico de Arquitectura (1978). Ya desde muy joven se vinculó a las Artes Plásticas y a la fotografía, de forma autodidacta, por lo que aprovechándose de sus conocimientos como arquitecta, inunda sus obras con vitrales, rejas, arcos y columnas, como una constante en los que el color, la línea negra y el trazo, seran inconfundibles.
Es miembro de la Asociación Cubana de Artesanos y Artistas desde 1988, de la Asociación de los Hermanos Saiz en la especialidad de artes plásticas, del Fondo Cubano de la Imagen Fotográfica y del Fondo Iberoamericano de Fotografía.

Se desempeñó como fotógrafo independiente desde 1993, trabajando fundamentalmente la fotografía de ballet, teatro, danza, arquitectura, de temas sociales y publicitaria. Sus imágenes han sido publicadas en importantes medios de prensa impresa y digital. Ha colaborado en las revistas "Cuba en el ballet", "Sol y Son", "Bohemia", "Revolución y Cultura" o la revista de la Asociación de directores de escena de España (ADE), entre otras nacionales y extranjeras.

Algunas de las exposiciones más destacadas que ha realizado fueron en "Salón de la Ciudad.Centro Provincial Ciudad Habana (1983), Galería Habana (1984), Feria Nacional Isla de la Juventud (1987), Salón ExpoCuba (1988), "Expo De todo un poco" (1991), Expo "El arte hecho Arte" Gran Teartro de la Habana (1998), Expo "Los mil Rostros de la Habana".Varadero .Matanzas (2001), Expo "Influencia de Cuba". Londres. Inglaterra (2002), entre otras. También tiene exposiciones permanentes en países como España, Inglaterra, Italia, Checoslovaquia, Portugal, Estados Unidos, México, Panamá y Chile, entre otros.



Copyright:

De la fuente para la biografía e imágenes:
Nancy Reyes©


Introducción y artículo:
LITERATURA DEL MAÑANA©

con la ayuda de:

Ángel Brichs©

Escritor y Crítico de Arte


Publicado en este blog bajo el consentimiento de la autora:
www.literaturadart.blogspot.com




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